Dance, when you´re broken open. Dance, if you´ve torn the bandage off. Dance in the middle of the fighting. Dance in your blood. Dance, when you´re perfectly free. Jelaluddin Rumi

A criação O Céu é apenas um disfarce azul do Inferno (citação de um poema de Pascoaes) debruça-se sobre visões, representações, heresias, que Céu e Inferno, Demoníaco e Angélico, assumem na cultura portuguesa, e fá-lo sob o signo da relação: carnal, conceptual, poética. Do “amor carnal espiritualizado pela dor”. Esta criação pretende recuperar céus e infernos, de disfarces em disfarces. Com o medo e com a excitação, num fluxo constante de dissolução de fronteiras, de livre circulação de pulsões e intensidades. Os conceitos de “Caótico” (Deleuze) e de “Id” (Freud), surgem ainda como ferramentas a trabalhar. Para que se lidem vibrações, velocidades, intensidades, sensações, choques. O Caótico como criador de dissonâncias, de tensões, de conflitos que se alimentem de prazer, e de resíduos reprimidos. De céu e de inferno, portanto. HCC & JvMT

Como transformamos os nossos corpos em máquinas, em mágoas, em sofrimento. O que o capitalismo nos fez, a guerra, a política, a indústria. 5 artistas, vindos de diferentes áreas artísticas – fotografia e o vídeo, a luminotecnia, a música, o teatro e a dança –  juntam-se para uma proposta colaborativa onde o experimentalismo é a palavra de ordem e o manifesto a sua renumeração.

Paralelamente, João Catarino e a equipa de criação do espectáculo inaugura a exposição How we built a smoke machine sobre o seu processo criativo.

Neste espectáculo fuma-se em cena e há  luz estroboscópica (strobe).

Os Mal Sentidos trabalha sobre vários níveis de tradução e de deslocação de sentidos da realidade para complexificar a leitura da actualidade numa tragicomédia do Presente. O que poderá ser hoje o processo de construção do mito? O mito é construído através da reprodução de narrativas que, pela sua repetição, se tornam colectivas. Hoje, associamos aos media essa construção embora saibamos que, ao aceder à informação, não a encaramos como narrativa mitológica, mas sim factual. O modo como é transmitida a informação reflecte o que “se acredita” ser a articulação do pensamento contemporâneo. As palavras que usamos (ou que caem no uso comum) revelam as nossas crenças, o mundo que temos para articular. Num jogo de espelhos, criam-se vários dispositivos que desdobram a realidade do espaço de apresentação (público, intérpretes, linguagem, tradução, criação de movimento) em “agora” e “representação do Presente”. Cria-se assim uma “confusão dramatúrgica”, reflexo do modo de percepção e tradução da actualidade. Aqui, duas pessoas estão sujeitas à linguagem, como uma arma.

Ela aproximou-se dele e quase sem conseguir olhá-lo nos olhos disse-lhe:
ELA: Tudo o que eu queria era uma SOLUÇÃO MÚTUA VIÁVEL.
Ele olha-a com complacência e mesmo com um ligeiro sorriso.
ELE: Mas querida, REGRAS SÃO REGRAS.
ELA: Eu sei. UM EM CINCO irá dizer o mesmo…
O ambiente na sala estava tenso, como se há muito não se abrisse uma porta ou uma janela. Sentiam-se a respirar o mesmo ar de há cinco anos atrás sendo que, por o respirarem, não era o mesmo ar de há cinco anos atrás.

Who said anything about dance!? procura dissecar o papel do artista, bem como o da arte. É um trabalho que se inspira em situações relacionadas com a construção da identidade de um artista.  Revelando  as entranhas e a intimidade do próprio processo criativo, Mansour joga com as expectativas da audiência para questionar as constantes solicitações e pressões a que o criador está sujeito. Afinal para que serve a arte? Serve para entreter ou para questionar e, algumas vezes, também perturbar? Ao longo deste espectáculo, o tom irónico revela que há sempre mais a ler nas entrelinhas…

Em Intermitências tomamos como ponto de partida o uso do tempo, entendido não apenas como algo linear (passado, presente, futuro) mas como elemento transversal da nossa existência. O tempo que nos une e que nos separa, o tempo da disjunção e da sobreposição, o tempo da fricção entre tempos contrastantes. O corpo assume-se, neste contexto, como uma espécie de palimpsesto, como superfície de inscrição que se transforma e que mostra as evidências das suas mudanças. Os intérpretes são suportes de inscrições e de memórias mas também se desdobram como agentes observadores e activadores de indícios, a multiplicar possibilidades de agir e de interagir com os outros. O próprio processo de trabalho, de criação desta peça coreográfica, de colaboração entre os elementos deste grupo, transforma-se em conteúdo, despoletando intercâmbios de papéis que evidenciam a necessidade de repensar modos de produção. Nesta obsessão de tornar habitável e visível o processo de trabalho, ensaiamos formas de apropriação do espaço comum, ocupamos o tempo em que existimos em conjunto, tentamos contornar a velocidade do mundo que nos ultrapassa continuamente.

Paralelamente, Joclécio Azevedo falará sobre o seu trabalho no ciclo de palestras O Meu Processo.

REACTING TO TIME, portugueses na performance, procura actualizar a especificidade da memória corporal das primeiras experiências da performance. Aceder à origem dessa informação, actualizá-la pela transmissão directa e apresentá-la publicamente, são os objectivos deste projecto. Trata-se de construir um arquivo vivo, tornado presente nos corpos. Vânia Rovisco vem desenvolvendo um trabalho de contextualização e de investigação e contactando com os primeiros agentes da performance em Portugal, na actualização destes trabalhos inaugurais para posteriormente os transmitir. A apresentação é o resultado do processo de transmissão da performance de António Olaio – Il faut danser Portugal (1984), durante o Workshop Transmissão do Cumplicidades, na Culturgest.

Paralelamente, Vânia Rovisco falará sobre o seu trabalho no ciclo de palestras O Meu Processo.

Atravessamos o caminho da água, colocamos sacos de areia ou uma barreira, mas independentemente do que façamos, a água encontra sempre uma fenda, e continua a fluir livremente, naturalmente, na sua jornada, enfrenta muitos obstáculos, talvez até mesmo se torne toda enlameada, no entanto, neste país, “assassinatos de água” acontecem constantemente. Esta peça é a história daqueles que fazem da viagem na água a sua própria jornada e passeiam ao longo de todos os tipos de água. Uma mala de viagem é aberta, e as coisas que de lá saem têm certamente vontade de encontrar suas próprias ranhuras.

You’re not a fish after all é dedicada àqueles que foram mortos pelas suas opiniões, começando por Hrant Dink, um jornalista Arménio na Turquia.

AIM é uma performance a solo, onde a cenografia, a sonoplastia e a coreografia são construídas como metáforas para o seu desaparecimento. O Medo, o Fim e a Extinção são explorados a partir do conflito e da ameaça em direcção ao vazio. A luta do intérprete, no esvaziamento da sua existência. O palco é visto em AIM como uma maquete do universo. Um modelo do que somos, do mundo que habitamos e dos espaços e estados que permeamos. E é nesse lugar, representativo da utopia, que se geram os confrontos situados num contexto de celebração (ritual). Os materiais a testar são essencialmente primários. Quero explorá-los com o objectivo de encontrar a força, a vulnerabilidade, a efemeridade ou a impermanência de cada elemento. AIM é a metáfora do tempo, de um corpo e de um espaço teatral actual. Em conflito, em guerra. O confronto como gerador de desaparecimento, e este como fim último. No limiar da extinção, o que resta? O que se propaga? O que substitui? O que sobrevive?

Uma performance acerca da natureza da audiência – as expectativas, relações, tensões e papéis que cada um assume, individualmente ou em grupo numa situação de espectáculo ou terror cénico.  Através da dança, video, teatro-físico, poesia e som, apresenta-se um ensaio absurdo acerca do espectador, da sua responsabilidade, acção e passividade em massa. Uma série de situações para um público em movimento, onde são desconstruídas coreografias de distâncias e poder inerentes em qualquer tipo de ritual ou espectáculo.

O solo interpretado pela corerógrafa marroquina Meryem Jazouli e escrito com a cumplicidade de Fatima Mazmouz, Contessa faz-nos mergulhar nas lendas e tradições de Marrocos através das suas principais figuras femininas. Desde a feiticeira e prostituta, Aïcha Kandisha – espírito que possui algumas mulheres e enlouquece os homens – a Haja Hamdaouia – cantora marroquina que modernizou o Aïta Marsawiya (música popular marroquina) – a coreógrafa escolhe encarná-las e desencarná-las simultaneamente. Através do movimento e de um trabalho com a respiração e a voz, Meryem Jazouli desconstrói, um por um, os mecanismos destas caricaturas fantasmáticas  do imaginário masculino para mostrar uma multiplicidade de identidades femininas mais ambíguas mais complexas. Como se fosse para nos dizer que ela é um pouco de todas estas figuras mas é, sobretudo, uma figura singular.